Hace unas semanas, en el post Pablo Neruda celebra la nobleza del vino en Vivanco, hablamos del manuscrito autógrafo del poema Oda al vino, redactado por el célebre poeta chileno en 1953 y actualmente expuesto en la muestra temporal Vivanco, pensando en Vino: 40 años de Coleccionismo. En el post de hoy destacamos otras dos joyas, procedentes de los fondos del Centro de Documentación del Vino de la Fundación Vivanco, que se podrán ver en la misma exposición, hasta la primavera de 2017, entre más de sesenta obras de arte y documentos antiguos relacionados con el vino y fechados desde el siglo XV hasta la actualidad.
Las obras en cuestión son dos magníficos carteles de Alphonse Maria Mucha (Ivancice, Moravia, 1860 – Praga, 1939) realizados a finales del siglo XIX y parte de una importante selección de carteles vinculados al vino pertenecientes a la colección Vivanco.
Alphonse Mucha. Fotografía tomada en 1906. Pintor y artista decorativo checo y uno de los máximos exponentes del Art Nouveau
Gran protagonista del arte de fin de siècle, Mucha fue sin duda el creador de carteles más famoso de la Belle Époque. Su inconfundible estilo pictórico, conocido como “Estilo Mucha”, contribuyó a la definición del lenguaje decorativo del Art Nouveau, combinando novedosas temáticas floreales con sugestiones procedentes de la iconografía tradicional de la Europa oriental. Su obra ha sido abundantemente imitada por muchos artistas de las generaciones posteriores y hoy en día sigue siendo una referencia imprescindible en el ámbito del arte decorativo y en la comunicación publicitaria.
El camino que le llevó a la consagración no fue nada fácil. Tras su inicial formación pictórica en Viena y en Múnich, Mucha se mudó a París en 1887. Allí fue perfeccionando sus conocimientos artísticos y, como se puede leer en la página web de la Fundación Mucha, «aprendió a sobrevivir con una dieta de lentejas y judías y empezó a ganarse la vida a duras penas realizando ilustraciones para libros y revistas». En la capital francesa sin embargo conoció, pocos años después, sus mayores éxitos. En 1894 logró el salto a la fama con su primer cartel litográfico para la obra Gismonda, presentada en el Théâtre de la Renaissance y protagonizada por la actriz Sarah Bernhardt.
Sarah Bernhardt, en fotografía tomada en 1891 mientras interpretaba a Cleopatra.
A partir de entonces Mucha empezó a recibir numerosos encargos y se convirtió en el cartelista oficial de Bernhardt, para la cual realizó también escenografías y diseñó joyas exclusivas. Su producción cartelista está centrada esencialmente en la figura de la mujer; una mujer hierática y sensual, rodeada de elementos decorativos clasicistas y orientales: casi una divinidad mitológica situada en un mundo plano y atemporal. En ocasiones su obra se ha comparado con experiencias artísticas de la misma época, como las de Gustav Klimt, Egon Schiele u otros artistas de la Secesión vienesa.
En l’honneur de Sarah Bernhardt – ses admirateurs et ses amis. Alphonse Mucha. Litografía en color, 1896.
La época de final del siglo, en la que Mucha conoce su gran éxito, corresponde a la época del ascenso del cartel moderno como medio de comunicación típico de una sociedad europea en profunda transformación. El desarrollo de la burguesía capitalista, que había acompañado la así llamada segunda revolución industrial, estaba conllevando profundos cambios económicos, políticos y culturales. Nuevos hábitos de consumo; nuevas modas cosmopolitas; nuevas ideas políticas; mercados e infraestructuras cada vez más internacionales; proliferación de grandes marcas comerciales; expansión sin precedentes de las áreas urbanas; descubrimientos científicos y geográficos sensacionales son sólo algunos de los factores fundamentales que impulsaron exigencias de comunicación totalmente nuevas y una intensificación de la propaganda, a todos los niveles, en los años que precedieron la Gran Guerra. El uso cada vez más generalizado del cartel como soporte mediático se prolongó hasta mediados del siglo XX, cuando su función comunicativa empezó a declinar por el advenimiento de tecnologías y medios más modernos, como la fotografía, la radio, el teléfono, el cine o la televisión.
Fruit. Alphonse Mucha. Litografía en color, 1897. Museo Vivanco de la Cultura del Vino.
Las dos estupendas piezas de Mucha que se pueden ver ahora en el Museo Vivanco son dos litografías en color de gran valor artístico. En concreto se trata de The Autumme (El Otoño) de 1896 y Fruit (Fruta) de 1897. La primera fue realizada por Mucha como parte de la que está considerada como su serie de paneles decorativos más famosa. Dicha serie, titulada Las Estaciones (1896), tuvo una acogida excepcional desde el primer momento, tanto por la originalidad de las obras (los panneaux décoratifs eran carteles sin textos con finalidades meramente estéticas y decorativas) como por su indiscutible belleza.
The Autumme. Alphonse Mucha. Litografía en color, 1896. Museo Vivanco de la Cultura del Vino
En Las Estaciones Mucha personifica cada estación con una figura femenina, utilizando recursos gráficos y tonalidad cromáticas que identifican a cada estación del año. Elementos naturales, colores suaves, columnas y arcos que evocan el mundo clásico y bizantino contribuyen a crear una atmósfera atemporal muy fascinante. Como no podría ser de otra manera, la que atesora en su colección el Museo Vivanco es la imagen del otoño: la estación de la vendimia y de la producción del vino.
Animado por el enorme éxito de Las Estaciones, en los años posteriores Mucha se dedicó a realizar otras series de paneles decorativos dedicados a temáticas diferentes, como Las Flores (1898), Las Artes (1898), Los Momentos del Día (1899) o Las Piedras Preciosas (1900) entre otras. La segunda pieza expuesta en la muestra – Fruta (1897) – es otro estupendo cartel realizado en este fecundo periodo creativo por el artista checo. En este caso Mucha representa a una mujer rodeada de elementos naturales, como hojas y frutos abundantes. Entre tanta prosperidad las uvas destacan como verdaderas protagonistas plásticas y cromáticas de la composición.
Presentadas conjuntamente, a modo de díptico, estas dos obras logran ofrecer a la vista del espectador una extraordinaria celebración alegórica de la naturaleza, de la sensualidad, de la belleza y de la joie de vivre.
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